Artiste : le geste ou la pensée ?

L’artiste est-il en premier lieu celui qui conçoit son œuvre ou bien est-ce celui qui la réalise? Souvent l’artiste conçoit et réalise lui-même ses œuvres, mais l’histoire de l’art nous montre que ce n’est pas toujours le cas.

Les ateliers d’avant, pour un travail collectif

Jusqu’au 19ème siècle, le peintre apprend son métier, au cours d’un apprentissage, dans un atelier auprès d’un maître reconnu. Le statut de l’artiste est alors proche de l’artisan. Ainsi, la transmission est mise en valeur, suivant le principe du compagnonnage, n’empêchant pas les élèves de dépasser leur maître.

Il existe ainsi des lignées d’artistes : Michel-Ange fut élève de Bertoldo di Giovanni, lui-même élève de Donatello. Leonard de Vinci a également été apprenti puis a géré son atelier.

Les études approfondies des œuvres réalisées en ateliers déterminent les parties réalisées par le maître, et celles complétées par les apprentis, parfois de renom, mais pas encore autonomes. L’exécution des détails jugés sans importance est laissée aux élèves. L’œuvre est un travail collectif, dirigé par le maître.

Les ateliers d’aujourd’hui, l’idée avant tout

Andy Warhol avait sa ‘factory‘. Il souhaitait détacher son art de l’acte physique de créer en tant qu’individu et il disait :

I want to be a machine.

Il produisait ainsi en série, avec des moyens technologiques tels que la sérigraphie.

Encore plus proche de nous dans le temps, Jeff Koons déclare :

Je suis un homme d’idées, je ne m’implique pas physiquement dans la production.

La réalisation de son travail par une centaine de personnes ne l’empêche pas d’être reconnu comme un artiste contemporain majeur.

C’est également le cas de l’artiste japonais Takashi Murakami dont vous avez une visite d’atelier dans la vidéo ci-dessous :

Les faussaires, des réalisations bluffantes

Réaliser une copie en utilisant la même technique qu’une œuvre originale relève du travail d’apprentissage académique. Il s’agit de cerner la composition, de se confronter aux difficultés liées à l’œuvre pour mieux l’appréhender.

Réaliser des copies, ou des œuvres en s’appropriant ‘le style de’ en vue de les faire passer pour des œuvres authentiques est un acte répréhensible par la loi. Il n’en demeure pas moins que ceux qui parviennent à duper jusqu’aux experts les plus reconnus savent manier la technique à un niveau d’excellence.

Certains faussaires acquièrent même une certaine renommée. Leur art consiste à savoir reproduire, maîtriser dans le détail les œuvres de Maître. Mais, ils ne sont pas reconnus comme artistes.

Et bien d’autres options pour ne pas produire de l’art avec ses mains

Alors je ne citerai même pas l’art conceptuel, ou encore le ready made. Je souhaite montrer que l’art ne se mesure pas en un savoir-faire, en temps passé avec minutie à réaliser l’œuvre, ni en une aptitude technique particulière :

• Certains vont passer y beaucoup de temps et montrer une aptitude à la réalisation d’œuvres, et ne seront pas considérés comme artistes.
• A contrario, d’autres apportent uniquement l’idée de l’œuvre et sont reconnus comme son auteur à part entière, laissant dans l’anonymat leur ‘atelier’.

L’art est ouvert à toutes les expériences et n’aime pas être contraint ou limité. C’est une chance pour chacun d’y trouver son espace de création.

L’art s’accompagne d’une reconnaissance du public (au sens générique, et ce public n’est pas forcement unanime) pour être reconnu en tant que tel. Aussi, le travail de recopie sans apport personnel n’est-il pas considéré au rang de l’art… sauf quand il s’agit de recopier la nature.

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Pour continuer sur le sujet :

• Acheter une visite de l’atelier de Koons.
• L’article pigmentropie de Claude Rutault, qui ne peint pas ses tableaux, mais en prescrit les règles.
• Quelques clés sur le ready made au travers d’un article décalé